Auteur-Compositeur-Interprète

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AUTEUR-COMPOSITEUR-INTERPRÈTE

Une formation artistique pour se professionnaliser au métier d’Auteur.e Compositeur.trice Interprète.

Description du programme

Une formation complète de 540 heures sur 27 semaines d’octobre à juin afin d’acquérir les compétences, savoirs et savoir-faire de l’artiste professionnel, développer les techniques de l’Auteur-Compositeur-Interprète et utiliser ces techniques dans un contexte professionnel pour mieux appréhender les réalités du métier.

Prérequis et accès à la FORMATION

Avoir un projet artistique à visée professionnelle
Présentation d’un dossier de candidature comprenant notamment un curriculum vitae ou une biographie et une lettre de motivation
Participation à une audition permettant d’apprécier l’absence de difficulté vocale manifeste, dans un objectif de santé et sécurité au travail (SST)

Par ailleurs, le candidat est soumis à un test de positionnement en formation musicale (non éliminatoire) permettant d’évaluer son niveau et de l’orienter vers les bases musicales à acquérir ou à renforcer.

Candidat en situation de handicap

Tout candidat peut saisir le référent handicap du certificateur pour aménager les modalités d’évaluation et obtenir l’assistance d’un tiers lors des évaluations. Les supports et le matériel nécessaires à la réalisation des évaluations pourront être adaptés. Sur le conseil du référent Handicap et dans le respect des spécifications du référentiel, le format de la modalité pourra être adapté. En fonction du handicap et des besoins spécifiques du candidat, le référent handicap pourra également s’appuyer sur une expertise externe.

Objectifs de la formation

La formation Auteur-Compositeur-Interprète permet l’acquisition de l’ensemble des compétences nécessaires au métier d’Auteur-compositeur-interprète.

Elle s’articule autour des 4 blocs de compétences suivants :
Bloc 1 : Écrire les paroles d’une chanson
Bloc 2 : Réaliser la composition musicale d’une chanson
Bloc 3 : Réaliser des prestations d’interprétation de chansons sur scène et en situation d’enregistrement
Bloc 4 : Développer une activité d’auteur-compositeur-interprète

Elle a pour objectifs :

Développer le potentiel de sa voix en appliquant des techniques vocales et corporelles
Développer sa présence scénique chantée afin de transmettre une émotion au public
Créer un texte de chanson à partir de son imaginaire en utilisant des techniques d’écriture
Créer une musique de chanson à partir de son imaginaire en utilisant des techniques d’écriture musicales
Comprendre et utiliser les langages musicaux
Se repérer dans l’histoire de la chanson et des musiques actuelles
Comprendre son environnement socio-professionnel et développer son projet

Domaines d’activités

Musique, arts du spectacle vivant et audiovisuel, édition. Secteurs complémentaires : animation, évènementiel, éducation, social.

Compétences générales visées

//// BLOC 1 : ÉCRIRE LES PAROLES D’UNE CHANSON ////

A1.1 Mise en condition d’écriture

A1.1.C1 Identifier son fonctionnement créatif en matière d’écriture, en repérant, à partir de ses expériences d’écriture, les conditions favorisant son entrée en création, ses facteurs déclenchants d’inspiration, ses modes de collecte d’idées et références, afin d’activer des leviers adaptés pour entrer en écriture le moment venu.

A1.1.C2 Organiser sa démarche d’écriture, en structurant ses temps de recherche, de création et de prise de recul, et en régulant son rythme de travail, afin de dépasser les situations de blocage, de soutenir la continuité de l’écriture et de préserver son équilibre et sa santé (mentale, physique).

A1.2 Création des paroles d’une chanson

A1.2.C1 Définir le cadre d’écriture des paroles d’une chanson, en tenant compte de l’intention artistique, du thème, du format et de l’usage visés, de la langue choisie, de l’univers recherché, du point d’entrée créatif retenu, y compris lorsqu’il s’agit d’une musique préexistante, ainsi que des caractéristiques de l’interprète, le cas échéant, et du public visé, afin d’orienter le travail d’écriture vers une proposition cohérente.

A1.2.C2 Réunir les matériaux d’écriture d’une chanson, en s’appuyant sur un processus d’analyse, à partir d’observations, de lectures, d’écoutes, d’images, d’échanges, de recherches, de références culturelles ou d’une commande, afin d’alimenter la création du texte avec une matière exploitable.

A1.2.C3 Construire le propos des paroles d’une chanson, à partir d’une idée initiale, d’une émotion, d’un récit, d’un point de vue ou d’un effet recherché, afin de produire un texte artistiquement situé.

A1.2.C4 Formuler les paroles d’une chanson, en mobilisant un ou plusieurs champs lexicaux, un registre de langue, des procédés d’écriture et un style rédactionnel adaptés à l’esthétique visée, afin de produire un texte porteur de sens, de singularité et d’une intention perceptible.

A1.2.C5 Organiser la progression textuelle des paroles d’une chanson, en hiérarchisant les idées, les motifs, les répétitions, les contrastes et la place des formulations marquantes au regard de l’effet recherché, de l’usage visé et de la réception souhaitée du public, afin d’aboutir à un texte équilibré et lisible.

A1.3 Ajustement des paroles d’une chanson en vue de leur mise en musique ou de leur interprétation

A1.3.C1 Calibrer la métrique, la prosodie et le phrasé des paroles d’une chanson, à partir d’essais en voix (parlée ou chantée) et de calages sur une pulsation, une ligne mélodique, une structure rythmique ou une musique préexistante, afin d’assurer la justesse des appuis, la fluidité de la diction, l’équilibre entre densité verbale et espaces de silence, et la tenue du texte dans l’interprétation.

A1.3.C2 Adapter les formulations des paroles aux contraintes ou spécificités de prononciation, d’articulation, d’accentuation, de respiration et d’intelligibilité propres à l’interprète (soi-même ou un autre), y compris en situation de handicap, afin de faciliter leur appropriation vocale dans l’esthétique visée.

A1.3.C3 Annoter les paroles d’une chanson avec les repères utiles au travail musical et vocal, notamment les coupes, appuis, accents, intentions, départs, respirations ou éléments de diction, afin de faciliter, le cas échéant, leur accessibilité et leur appropriation dans le cadre de la composition et/ou de l’interprétation.

//// BLOC 2 : RÉALISER LA COMPOSITION MUSICALE D’UNE CHANSON ////

A2.1 Amorçage de la composition d’une chanson

A2.1.C1 Générer des idées de composition, en s’appuyant sur une méthode structurée d’analyse de références issues de sa culture musicale ou de résultats de recherches spécifiques, d’un texte ou d’une commande et/ou sur des improvisations vocales ou de séquences jouées (boucle harmonique, motif rythmique…), afin de faire émerger une matière musicale exploitable.

A2.1.C2 Explorer plusieurs directions de composition, en faisant varier la ligne mélodique, l’assise harmonique, le tempo, la dynamique rythmique ou l’énergie d’une proposition musicale, afin d’identifier la piste la plus pertinente au regard de l’intention artistique recherchée.

A2.1.C3 Réguler ses temps d’essais, d’écoute et d’exposition sonore au cours du travail de composition, afin de préserver sa qualité d’écoute, de maintenir sa capacité de discernement musical, de prévenir la fatigue auditive et de soutenir une pratique durable du métier.

A2.2 Création de la musique d’une chanson

A2.2.C1 Composer la ligne mélodique d’une chanson, en élaborant des contours mélodiques, des intervalles, des points d’appui, des tensions et des résolutions à partir d’essais vocaux, joués ou assistés par ordinateur, afin de produire la matière musicale destinée à être chantée.

A2.2.C2 Définir l’assise harmonique d’une chanson, en sélectionnant les accords, les enchaînements, les cadences et les couleurs harmoniques adaptés à la mélodie et à l’effet recherché, afin de soutenir la ligne vocale et de renforcer la cohérence expressive de la composition.

A2.2.C3 Déterminer le tempo et l’organisation rythmique d’une chanson, en fixant la pulsation, les accents, les placements et le découpage rythmique, afin de donner à la composition un mouvement compatible avec l’esthétique visée et l’intention d’interprétation.

A2.3 Calage de la composition avec le texte et l’interprète d’une chanson

A2.3.C1 Ajuster une composition musicale au texte avec lequel elle s’articule, en modifiant la ligne mélodique, les appuis, les durées, les respirations et les phrasés au regard du placement des mots, de leurs accents et de leur sens, afin d’épouser le texte et de garantir une interprétation chantée cohérente et intelligible.

A2.3.C2 Adapter une composition musicale aux caractéristiques de l’interprète de la chanson, lorsque cela est nécessaire, en tenant compte de sa tessiture, de son émission vocale, de son phrasé et de sa respiration, afin de lui permettre de s’approprier la proposition et de la porter avec justesse.

A2.4 Restitution de la composition aux parties prenantes

A2.4.C1 Produire des supports de composition (grille d’accords, repères mélodiques ou rythmiques…), en utilisant des systèmes de notation et en tenant compte des besoins spécifiques des destinataires (lisibilité, formats adaptés aux PSH…), afin de constituer une base de travail compréhensible et exploitable par les différents interprètes.

A2.4.C2 Présenter une composition musicale sous une forme audible aux destinataires, en la fredonnant, en la chantant, en la jouant ou en s’appuyant sur un support sonore, afin de permettre une compréhension partagée de son contenu, le recueil de retours et la poursuite du travail avec les parties prenantes.

//// BLOC 3 : RÉALISER DES PRESTATIONS D’INTERPRÉTATION DE CHANSONS SUR SCÈNE
ET EN SITUATION D’ENREGISTREMENT ////

A3.1 Préparation vocale, mentale et corporelle à l’interprétation d’une chanson

A3.1.C1 Mettre en condition sa voix et son corps, en pratiquant des exercices d’échauffement, de gestion du souffle et des vocalises adaptés à sa tessiture, afin d’optimiser son émission vocale et son énergie corporelle, tout en prévenant les risques de fatigue (vocale, musculaire…) et les troubles de la voix (dysphonie…).

A3.1.C2 Se préparer à la gestion du stress et du trac liés aux situations d’interprétation, en mobilisant des techniques de préparation mentale (visualisation…) et de concentration adaptées à son contexte professionnel, afin de sécuriser la qualité de sa prestation et de préserver sa santé mentale.

A3.2 Préparation de la mise en œuvre de l’enregistrement ou de la prestation scénique

A3.2.C1 S’approprier une œuvre musicale destinée à être interprétée, en analysant son propos et sa structure, et en expérimentant différentes intentions, nuances et dynamiques expressives à partir d’essais d’interprétation vocale et/ou instrumentale, afin de proposer une interprétation incarnée, cohérente et identifiable.

A3.2.C2 Coordonner son interprétation avec celle des autres intervenants (musiciens, techniciens…) lors de répétitions, en synchronisant les repères d’exécution et en adaptant la dynamique et l’intention vocale à l’aspect musical et relationnel, afin de garantir la cohésion musicale et la qualité d’exécution collective.

A3.2.C3 Construire un enchaînement scénique (set) en organisant les œuvres, les transitions, les prises de parole et les variations d’intensité, en tenant compte de l’esthétique du projet, des conditions de représentation et des caractéristiques du public visé, afin de garantir une progression artistique cohérente, lisible et engageante sur scène.

A3.2.C4 Traduire les besoins techniques nécessaires au bon déroulement d’une prestation scénique, à travers une fiche technique (son, lumière…), en s’appuyant sur le déroulé du set scénique et les instruments prévus, et en prenant en compte les contraintes (lieu, budget, environnementales…), afin d’informer l’équipe technique et lui permettre de préparer la venue des artistes.

A3.3 Interprétation de chansons en situation scénique

A3.3.C1 Maintenir une expression vocale et corporelle maîtrisée et cohérente en situation scénique, en tenant compte des choix interprétatifs préalablement définis, afin de garantir la continuité et la lisibilité de l’interprétation tout au long de la performance

A3.3.C2 Déployer une présence scénique lisible et engagée (regard, adresse, gestuelle, déplacements, occupation de l’espace…) en articulation avec l’interprétation vocale et musicale, afin de rendre perceptible l’intention artistique et de capter l’attention du public, y compris en situation de handicap, tout au long de la performance.

A3.3.C3 Ajuster sa performance d’interprétation en temps réel en fonction des réactions du public, de l’ambiance et des conditions de représentation (acoustique, configuration scénique, dynamique collective, aléas techniques…), afin de maintenir la qualité artistique, la continuité de la prestation et l’engagement du public.

A3.3.C4 Analyser sa performance scénique a posteriori, en s’appuyant sur des retours (ressenti, captations audio/vidéo, retours du public et des professionnels, données de diffusion …), afin d’identifier les écarts entre l’intention artistique et la réception, et d’ajuster les choix interprétatifs et le déroulé scénique pour les représentations suivantes.

A3.4 Interprétation de chansons en situation d’enregistrement

A3.4.C1 Réaliser une prise vocale en situation d’enregistrement, en contrôlant la hauteur des notes, le placement rythmique, la diction, la gestion du souffle et des nuances, ainsi que l’utilisation du micro (distance, orientation…), afin de produire des prises exploitables, homogènes et conformes aux intentions artistiques et aux exigences techniques du projet.

A3.4.C2 Ajuster son interprétation en situation d’enregistrement à partir des écoutes et des retours en studio (réalisateur, ingénieur du son…), en faisant évoluer les intentions, les nuances, le phrasé ou l’énergie entre les prises, afin d’améliorer progressivement le rendu et d’aboutir à une version conforme aux attendus artistiques.

//// BLOC 4 : DÉVELOPPEMENT D’UNE ACTIVITÉ D’AUTEUR-COMPOSITEUR-INTERPRÈTE ////

A4.1 Positionnement de son activité d’auteur-compositeur-interprète dans l’écosystème professionnel

A4.1.C1 Définir son positionnement artistique, en articulant son identité vocale et/ou instrumentale, son univers d’expression, ses influences et sa culture musicale avec l’analyse de son environnement professionnel, afin de construire une proposition identifiable et cohérente au regard des attentes du secteur et de ses objectifs de développement.

A4.1.C2 Identifier les métiers et les compétences du secteur des musiques actuelles, en distinguant les rôles, responsabilités et interactions des professionnels de la filière, afin d’orienter ses choix de développement artistique, économique et professionnel.

A4.1.C3 Constituer un réseau professionnel dans le secteur des musiques actuelles, en engageant et en entretenant des relations avec des interlocuteurs pertinents (pairs, professionnels ou professions autour des artistes/métiers connexes…) au regard de son projet et de ses axes de développement, afin de favoriser l’accès à des informations, ressources et opportunités utiles à son évolution professionnelle.

A4.2 Gestion opérationnelle de son activité d’auteur-compositeur-interprète

A4.2.C1 Choisir un cadre d’exercice adapté à son activité dans les musiques actuelles et à ses objectifs de développement (statut, régime social, modes de contractualisation…), en analysant les modalités d’emploi, les niveaux de revenus et les contraintes associées, afin d’assurer la conformité et la viabilité de son activité.

A4.2.C2 Structurer le développement de son activité dans les musiques actuelles, en définissant des objectifs et axes de déploiement et de croissance (diffusion, collaborations, actions culturelles…), et en tenant compte des ressources mobilisables, des contraintes et des opportunités du secteur, afin d’orienter ses actions et d’assurer la continuité et la pérennité de son activité.

A4.2.C3 Gérer les dimensions administratives, réglementaires et économiques de son activité dans les musiques actuelles, en assurant le suivi de ses obligations, de ses flux financiers et de ses engagements contractuels, en mobilisant des ressources et outils adaptés, notamment numériques, afin de sécuriser l’exercice de son activité et d’en préserver l’équilibre financier.

A4.2.C4 Arbitrer ses projets et ses engagements professionnels, en évaluant leurs conditions (rémunération, visibilité, cadre contractuel, contraintes techniques ou technologiques, réseau mobilisable…), afin de sélectionner les plus cohérents avec sa stratégie de développement.

A4.3 Gestion de ses projets artistiques

A4.3.C1 Réaliser le budget prévisionnel d’un projet artistique (tournée, enregistrement…), en identifiant les dépenses et les recettes envisageables et en tenant compte des financements mobilisables (aides publiques ou du secteur, appels à projets, partenariats, financement participatif…) afin de s’assurer de l’équilibre financier du projet et de sa pérennité.

A4.3.C2 Défendre son projet artistique ou sa contribution à un projet artistique auprès d’interlocuteurs professionnels, en développant un argumentaire, en mobilisant des supports adaptés (maquette…) et en ajustant sa présentation aux attentes et besoins spécifiques des parties prenantes, afin de démontrer sa valeur artistique.

A4.3.C3 Créer des contenus promotionnels associés à son projet artistique, en adaptant les productions aux formats, usages et codes des supports de diffusion numériques (streaming, réseaux sociaux…), en intégrant des modalités d’accessibilité aux publics et en mobilisant des outils numériques, afin de renforcer la visibilité et l’attractivité de ses œuvres.

A4.3.C4 Diffuser des contenus promotionnels et des œuvres musicales, en s’appuyant sur des canaux/plateformes numériques, des réseaux professionnels et des outils de publication adaptés, afin d’assurer leur circulation auprès des publics cibles.

A4.3.C5 Coordonner la mise en œuvre d’un projet artistique, en planifiant les étapes de sa réalisation (répétitions, résidence, préparation…), en organisant les moyens humains, techniques et logistiques, tout en prenant en compte les exigences de santé-sécurité et d’impact environnemental, afin de garantir le bon déroulement du projet et l’atteinte des objectifs.

Moyens et méthodes pédagogiques

Fréquence et régularité des cours pour une meilleure intégration des concepts
Travail collectif (petits groupes), travail personnalisé
Approches corporelles, mise en situation, jeux de rôles, brainstorming, ludo-pédagogie, exposés…
Pédagogie par projets dont les aboutissements rythment les grandes étapes de la formation
Alternance d’apports théoriques et de mises en situation professionnelles
Évaluations formatives continues
Master classes et études de cas
Mises en situation collaboratives entre stagiaires
Utilisation de l’effet miroir favorisé par le travail individuel en petit groupe
Respect de l’identité artistique et considération du rythme personnel et de l’expérience de chacun

Moyens Techniques

Plateforme digitale accessible par tous les stagiaires en début de formation comprenant des documents, bibliographie, sitographie pour chacun des blocs
10 salles équipées de système de sonorisation, micro, clavier.
1 salle de concert 50 places (consoles numériques lumière et son, projecteurs Led – voir fiche technique)
1 studio d’enregistrement professionnel partenaire (Mozazik studio)
Logiciels MAO, création musicale (Ableton, Cubase, Logic, protools) et notation musicale (Sibelius, Musescore…)
Autres outils : matériel de captation, montage et projection vidéo, studio mobile d’enregistrement, tapis de sol, instruments de musique (guitare, basse, percussions etc.), médiathèque, parthotèque…

Intervenants pressentis

Tristan Haspala, Anouk Manetti, Francis Médoc, Pierre Ganem, Bertrand Louis, Julien Rosa, Anne-Claire Marin, Albane Aubry, Nesles, Marianne Feder, Laurent Honel , Aurélie Thuot, Sylvaine Fouix, Caroline Faber

MODALITÉS ET Suivi de l’exécution de la formation

Formation en présentiel – synchrone
Feuilles de présence et certificat de réalisation de l’action de formation.
Formulaires d’évaluations de la formation
Suivi personnalisé des stagiaires
Contrôle continu
mises en situation professionnelle (concerts)

Épreuves d’évaluation

Bloc 1 : L’évaluation repose sur une mise en situation professionnelle individuelle, à partir d’une commande d’écriture de chanson. Le candidat réalise le travail d’écriture dans son contexte habituel de création, selon sa routine personnelle, et produit un texte de chanson annoté qu’il présente lors d’une soutenance orale permettant d’expliciter son processus créatif, ses choix d’écriture et les ajustements opérés en vue de la mise en musique et de l’interprétation.

Bloc 2 : L’évaluation repose sur une mise en situation professionnelle individuelle à partir d’une commande de composition musicale. Le candidat réalise le travail de composition dans son contexte habituel de création, selon sa routine personnelle, et produit un support écrit de composition. Il présente ensuite sa création sous une forme audible lors d’une soutenance orale lors de laquelle il explicite son processus créatif, ses choix mélodiques, harmoniques et rythmiques, ainsi que les ajustements opérés en vue de l’adaptation au texte et à l’interprète.

Bloc 3 : L’évaluation repose sur une mise en situation professionnelle individuelle comprenant deux réalisations : une prestation scénique en conditions réelles devant un public et un enregistrement vocal. Le candidat prépare et interprète un set de plusieurs chansons en situation de concert, et remet l’enregistrement d’au moins un titre réalisé en situation d’enregistrement. Ces réalisations sont complétées par une soutenance orale au cours de laquelle le candidat explicite sa préparation, ses choix d’interprétation, sa gestion de la scène et du stress, ainsi que les ajustements réalisés pendant la prestation scénique et lors de l’enregistrement.

Bloc 4 : L’évaluation repose sur une mise en situation professionnelle individuelle portant sur la structuration et le développement de l’activité d’auteur-compositeur-interprète du candidat, ainsi que sur la gestion d’un projet artistique qu’il choisit. Dans ce cadre, le candidat produit un dossier professionnel écrit, qu’il présente et défend lors d’une soutenance orale.

Composition du jury d’évaluation :

Une personne professionnelle de la musique représentant l’organisme évaluateur, dont la qualité est en lien avec les compétences visées.
Une personne professionnelle de la musique, extérieure à l’organisme évaluateur, dont la qualité est en lien avec les compétences visées.
Cette personne a également la fonction de Présidente du Jury.

Les membres du jury certifient être non impliqués dans le parcours de formation des candidats.

Règles de validation des compétences :

50% minimum de ses critères doivent être validés pour qu’une compétence soit validée.

La validation d’un bloc de compétences se fait dès lors que toutes les compétences sont réputées acquises à travers la réussite des épreuves d’évaluation.

Lieu de LA FORMATION

La Manufacture Chanson 124 avenue de la République 75011 PARIS – M° Père Lachaise – tél : 01 43 58 19 94

Renseignements et inscriptions :

Par téléphone : 01 43 58 19 94
Ou via le formulaire d’inscription

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